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Resenha: Perturbator – The Uncanny Valley (2016)

“High tech, Low life”, essa é a principal descrição de um ambiente cyberpunk. As realidades distópicas surgidas nesse subgênero de ficção científica podem ser descritas como lugares controlados por tecnologias da informação, num ambiente de dominação ou destruição da sociedade, além da revolta de seus cidadãos e da degradação do estilo de vida. As sociedades são marginalizadas em sistemas avançados culturalmente, mas o povo é controlado por um governo opressivo, uma religião fundamentalista, um computador ou sistema dominador, ou um conjunto de corporações.

Baseando nessa estética, surge nos anos 2000 o synthwave (ou retrowave); buscando uma ligação entre referências como o filme Blood Runner e as composições de John Carpenter,  Goblin e Tangerine Dream, porém, carregadas de características clichês oitentistas (vocal com reveb, sintetizadores analógicos extremamente nítidos e bateria eletrônica pulsante). Alguns nomes tem já destaque nessa “cena” – tal como Gost e Carpenter Brut -, mas é Perturbator (pseudônimo do francês James Kent) que ganhou maior notoriedade, graças a sua presença na trilha-sonora da série de games Hotline Miami.

Assim como seus antecessores, The Uncanny Valley é uma viagem aterrorizante através de um mundo de pesadelos, pegando a pós-guerra contra as máquinas referenciadas no álbum Dangerous Days (2014) como base. Falando propriamente da parte musical, de cara temos uma frenética massa de sintetizadores sobreposta em “Neo Tokyo”, pincelando qual será o ritmo majoritário até o final. Há algumas exceções, a exemplo do clima jazzístico encorporado em “Femme Fatale”; ou de “Venger” e “Sentient”, mais voltadas ao eletro house. E sempre é bom lembrar que James Kent é ex-guitarrista de uma banda de black metal, portanto não se surpreenda com o instrumento distorcido em “Diabolus Ex Machina” e ainda, se sua imaginação for mais inventiva, ao fazer o exercício de substituir os sons eletrônicos por melodias tradicionais do metal, poderá notar uma certa familiaridade nas composições (como foi citado pelo próprio criador em entrevista ao Noisey) – e talvez seja esse o motivo do álbum ter caído no gosto dos headbangers.

Dito isto tudo, a música do Perturbator trabalha principalmente sobre a atmosfera e como a música faz você se sentir. Trata-se de sons que evocam ruas de uma metrópole higienizada de néon e fumaça, de forma cinematográfica, trazendo ainda um frescor penetrante da EDM. É essa mágica viagem ficcional de volta ao tempo, para lisérgicos anos 80, recriando uma mistura alucinante a partir da perspectiva de elementos que nunca existiram.

Tracklist:

  1. Neo Tokyo
  2. Weapons for Children
  3. Death Squad
  4. Femme Fatale (feat. Highway Superstar)
  5. Venger (feat. Greta Link)
  6. Disco Inferno
  7. She Moves Like a Knife
  8. Sentient (feat. Hayley Stewart)
  9. Diabolus Ex Machina
  10. Assault
  11. The Cult of 2112
  12. Souls at Zero (feat. Astronoid)
  13. The Uncanny Valley

10 álbuns nacionais lançados no primeiro semestre de 2016 que você precisa ouvir

Como nos últimos meses eu ando meio desleixado no que se refere a publicar posts novos no blog, resolvi mandar uma lista logo com dez álbuns, uma quantidade superior se comparado a quando eu resolvi fazer algo semelhante em 2015. Mas veja bem, apesar de serem dez álbuns, muitos outros dentro dos subterrâneos da música brasileira ficaram de fora; isto é, os selecionados aqui são novamente os que eu achei mais interessante dentro da subjetividade do meu gosto.

Afro Hooligans – Corpo Fundo

O trio paulistano formado por Marcos Felinto, Everton Andrade e Guilherme Henrique se autodenomina como um “projeto xamânico de música eletrônica experimental” e ouvindo este novo álbum é possível entender o porque. Tudo aqui – incluindo o conceito de complexidade e abundância da natureza humana, presente no título – parece ter sido proposto dentro de uma grande trip psicodélica (daquelas que te fazem pensar no sentido da tua própria existência), e essa mistura imperfeita de ruídos com compassos house foi criada de uma maneira que você de fato sente-se abraçado por um misticismo primitivo.

Cadu Tenório & Thomas Rohrer – Fórceps

Fórcepss.m. Instrumento cirúrgico com que se extrai o feto do útero; pinça ou tenaz com que se agarram os corpos que se querem extrair. (Do Lat. fórcipe)

Este “parto difícil”, que o título do registro insinua, tem a ver não só com as duas sessões gravadas e que foram perdidas antes daquela que forma Fórceps,  mas também ao simples fato de que todo tipo de improvisação é algo extremamente complexo. O que o produtor Cadu Tenório e o rabequeiro e saxofonista suíço (radicado brasileiro) Thomas Rohrer fazem é criar a combinação de dois mundos opostos – coisa que Cadu busca a algum tempo -, onde o elo entre esses dois é a eterna aprendizagem de recriar a si mesmo.

Cássio Figueiredo – Presença

Talvez o grande ponto-chave que torne Presença um álbum tão forte esteja no fato de quê quem o ouve possa ter uma percepção dessa “presenção” totalmente diferente de qualquer outra pessoa. Eu senti que os momentos mais calmos são como o frio da penumbra da noite, e os cortes abruptos são como um clarão se aproximando em minha direção; mas veja bem, como eu disse, se você buscar ouvir as faixas, provavelmente terá alguma sensação diferente. O nome de cada som e o som em si também são grandes paradoxos que engrandecem ainda mais o conceito por trás.

Ruídos abafados, vozes, manipulação de cassetes … Tudo soa tão imprevisível e fantasmagórico, mas ao mesmo tempo afetuoso e vivo.

Deaf Kids – Configuração do Lamento

O lamento em questão aqui é a cultura da exploração da América Latina e a forma como esses cariocas enfiam o de dedo nessa ferida é através de uma surpreendente desconstrução do crust. E bom, é inegável que os tribalismos na bateria e os murmúrios de Dovglas Leal trazem também um pouco desse sofrimento… As dissonâncias e a sujeira abrasiva não dão a você uma dor física como a de quem sangrou e não teve como estancar, mas internamente dizimam o seu ego e te jogam uma verdade: o teu lamento de hoje é tão sólido quanto o pó.

Se você está afim de algo agressivo para levantar o astral da sua manhã, coloque esse split bem alto. A primeira parte do disco é a dos paulistas do Desalmado, que apesar da brutalidade, consegue encaixar uma cadência ao som; enquanto a parte dos catarinenses é um grindcore misturado com death metal e crust que é a pura violência sonora. Como de praxe, o extremismo também está presente nas letras de ambas as bandas, com fortes críticas à opressões sociais.

Giant Gutter From Outer Space – Black Bile

Já vi o esse duo curitibano ao vivo  e posso afirmar pra vocês que a coisa toda torna-se ainda mais intensa. O que o Giant Gutter From Outer Space faz em seu primeiro full-lenght é renovar as entranhas que formam a base do seu som tortíssimo; onde cada um dos músicos busca criar algo oposto em relação ao outro, só que, ao mesmo tempo, tudo está conectado. É metal jazzístico que não se importa em soar massivo ou técnico, apenas fluir por si só. Lembrando que o trabalho da dupla Johnny R. Rosa (bateria) e Hernan Borges de Oliveira (baixo) saiu novamente pela selo Sinewave.

God Pussy – Desaparecidos

Para aqueles que acompanham o trabalho do projeto carioca God Pussy, já é fácil notar que Jhones Silva aprecia entregar a experiência mais desconfortável possível a quem está disposto a ouvir. E isso vai muito além da corrosão sonora, pois ele normalmente também costuma retratar, na temática dos seus lançamentos, as angústias do submundo esquecido pela sociedade. Desaparecidos é síntese do desespero humano, como pode ser ouvido logo na primeira faixa, com o sofrimento de mães que perderam o sentido da vida após o sumiço de seus filhos. O release descreve a obra de forma perfeita:

“Pessoas desapareceram – Não existem rastros ou paradeiros – iniciando um mistério duradouro – muitas vezes sem solução – criando uma desestrutura familiar…
Desaparecidos: Onde estão? Pra onde foram? São perguntas sem respostas, são dúvidas cruéis do que pode ter ocorrido, são lembranças vagas e sofrimentos eternos aos familiares… Casos sem respostas apenas dúvidas e estatísticas.”

Gustavo Jobim – Dezoito

Conheci Gustavo pelo álbum Inverno (2014), e bem, se aquela capa gélida representava de maneira perfeita o clima das composições, Dezoito também não foge disso: a capa ensolarada é o frescor e a avidez que o músico encontrou, involuntariamente ou não, aqui. Isso é possível ser ouvido em “Heart and Sound and Soul and Vision” (cujo título é uma junção de uma música do Joy Division e outra de David Bowie), que contém uma contagiante harmonia em espiral. Podemos sentir as influências da Berlin School de Klaus Schulze e Tangerine Dream ao ouvir “The Road”, ou ainda compreender que o título de “For Richard Pinhas” não é apenas um mero detalhe. Entre ruidosas percussões metálicas e sintetizadores minimalistas, temos uma bela ode ao progressive eletronic da déada de 1970.

Metá Metá – MM3

O Metá Metá aos poucos vem ganhando certa popularidade em meios não tão alternativos, porém, o reconhecimento ao trabalho do trio ainda é pequeno se comparado a riqueza e a simbiose musical que vem se renovando a cada lançamento. Aqui há uma urgência enorme – tanto é que foi gravado em apenas três dias – e, inclusive, dá para afirmar que este é o álbum mais pesado e ruidoso que Juçara Marçal, Kiko Dinucci e Thiago França já lançaram juntos. O som é metamorfo, desde o vasta carga jazzística do sax de França, ao incrível repertório de Kiko na guitarra, passando pelas influências tão diversas (e que se fundiram tão homogeneamente) que o baixo de Marcelo Cabral e a bateria de Sérgio Machado trouxeram. Free-jazz, candomblé, samba, art-punk… Tudo é feito e misturado de uma forma muito forte e viva.

Romulo Fróes – Rei Vadio

Rei Vadio é o primeiro álbum de Romulo Fróes como intérprete e homenageia Nelson Cavaquinho justamente no ano em que sua morte completa 30 anos. Entre escolhas de canções menos óbvias e tantas outras deixadas de lado por serem exclusivamente o reflexo de Nelson, Romulo consegue desconstruir sem borrar a beleza melancólica das obras originais. E para tal feito, conta com a ajuda dos seus parceiros de longa data: Rodrigo Campos, Kiko Dinucci, Marcelo Cabral e Thiago França – este último com um solo free jazz de sax esplendoroso em “Mulher Sem Alma” -; além das ilustres participações de Dona Inah (“Eu E As Flores”), Ná Ozzétti (“Caminhando”), Criolo (“Luz Negra”) e da Velha Guarda Musical da Nenê de Vila Matilde (Vou Partir”). Difícil transcrever em palavras a força que esse tributo possui; reinterpretações que estão naquela linha tênue entre o tradicional e o transgressor… Não é para qualquer um.

Resenha: Corpo-Mente – Corpo-Mente (2015)

A forma como eu cheguei a este álbum é meio inusitada: recentemente revisitei o controverso “Illud Divinum Insanus”, último álbum lançado pelo Morbid Angel em 2011. O álbum dividiu opiniões principalmente por explorar amplamente vários elementos industriais – lembremos que o Morbid Angel é uma das mais lendárias bandas de death metal da história, e muitos dos seus fãs têm a mente fechada para aceitar experimentações.

Em 2012 o Morbid Angel exploraria de uma maneira ainda mais drástica essa sua nova faceta. A ideia da banda foi convidar 39 dos nomes mais prolíficos do cenário eletrônico e experimental mundial, dando a cada um a missão de criar remixes para músicas do álbum do ano anterior. Assim nasceu “Illud Divinum Insanus: The Remixes”, ainda mais execrado pela crítica e fãs mundo afora. E nele estava o francês Igorrr (pseudônimo de Gautier Serre), responsável pela faixa “Remixou Morbidou”, uma das poucas músicas que realmente me agradaram (apesar do título horrível) daquele álbum.

Gautier Serre na verdade é um multi-instrumentista e produtor de música eletrônica que está na ativa desde 2005. Envolvido em inúmeros projetos, ele tem o reconhecimento em seu meio por ter criado o baroquecore (gênero musical que mescla breakcore, música barroca e elementos industriais influenciados pelo death metal), com destaque no EP de mesmo nome lançado em 2010.

O Corpo-Mente, no caso, é um projeto experimental que envolve Igorrr (tocando todos os instrumentos) e a também francesa Laure Le Prunenec (nos vocais); ambos sendo membros da banda de ghotic/doom metal Öxxö Xööx. Laure tem uma voz poderosa, como a de uma cantora mezzo-soprana, e sua extensão vocal é realmente o que sobressai de tudo aqui. A parte operística, trazida por ela, traz uma dose emocional incrível nas canções, e encantará mesmo quem é leigo em música clássica.

E essa voz mágica é conduzida pela musicalidade de Gautier Serre, que colocou o seu virtuosismo em relevo, servindo de fio condutor entre o mundo real e uma fábula. Porque, a partir da faixa de abertura – que parece mergulhar em uma história infantil com tons escuros, referindo-se aos Irmãos Grimm, entre outras coisas -, um quadro toma forma gradualmente. O caminho criado nos 40 minutos das dez músicas é uma jornada transcendental, onde a mãe natureza parece desempenhar um forte papel, banhada por belos momentos acústicos folk que deságuam em apoteóticas batidas trip-hop.

Difícil é citar destaques, pois cada canção tem uma particularidade. “Equus”, é frágil e orgânica, trazendo o cruzamento de piano, violino e acordeão; já “Dulcin” e “Ort” crescem, se alimentam de faíscas elétricas e explodem em um desfecho roqueiro. Há também momentos onde Laure parece expelir sentimentos reprimidos através da sua garganta, como em “Dorma”, de um jeito que consegue ser perturbadora e graciosa ao mesmo tempo. É como se a sensibilidade vocal de Diamanda Galás encontrasse a genialidade eletro-acústica de Aphex Twin no conceito experimental do Ulver; claro, com uma pitada de música francesa.

Tracklist:
1. Scylla
2. Arsalein
3. Fia
4. Velandi
5. Dorma
6. Dulcin
7. Equus
8. Ort
9. Saelli
10. Encell